Bobby Wratten revient avec un second volet de son nouveau projet, Lightning In A Twilight Hour. Il était peut-être temps de revenir avec lui sur sa carrière avec The Field Mice et The Trembling Blue Stars, celle d’un musicien simplement et totalement dévouée à sa seule musique.
Bobby Wratten, sans même le savoir, sans même peut-être le vouloir, a fait partie de ces artistes discrets à avoir inscrit une empreinte presque subliminale, presqu’invisible sur la Pop d’Aujourd’hui, sur son versant Dream Pop. Chainon manquant entre les effluves brumeuses des Cocteau Twins et l’annonce d’un Shoegaze dans sa dimension la plus apaisée, avec The Field Mice puis The Trembling Blue Stars, il a signé au sein de l’écurie mythique Sarah Records certains des plus grands disques de cette scène. Pour autant, sa musique n’est pas à ranger dans la catégorie des belles oeuvres du passé, au contraire, l’anglais continue de conjuguer le temps présent et d’imaginer le futur avec son nouveau projet, Lightning In A Twilight Hour. Cet homme qui s’efface derrière sa seule musique n’a jamais cessé d’explorer et de chercher. Il fallait bien s’attarder sur le parcours modeste et timide d’un grand artiste.
Bobby Wratten, vous revenez avec Lightning In A Twilight Hour, votre nouveau projet et le premier véritable album du groupe, Overwintering six ans après un premier mini-album. Dans les années 90 er 2000, vous avez été très actif avec The Field Mice, Northern Picture Library et enfin Trembling Blue Stars. Vous vous faîtes plus rare depuis, pourquoi ?
Bobby Wratten : Tout d’abord, il s’agit en fait du deuxième album complet de Lightning in a Twilight Hour, Fragments of a Former Moon est sorti peu après le mini album que vous avez mentionné. Il y a également eu un EP qui a suivi et une sortie en cassette. Cependant, je comprends votre point de vue selon lequel les sorties ont ralenti. Lorsque j’ai commencé à faire des disques, on pouvait enregistrer en septembre et sortir en novembre, cette époque est révolue. Mais aussi, plus vous écrivez de musique, plus il faut de temps pour que de nouvelles idées apparaissent. Il y a la peur de la répétition et la recherche de nouveaux domaines. De plus, il semble qu’il faille plus de temps pour faire le plein. Pour nourrir son imagination et trouver de nouvelles inspirations, pour prendre en compte des éléments qui peuvent à leur tour conduire à de nouvelles créations.
Romantisme, tristesse, Twee Pop, autant d’images auxquelles l’on revient quand on pense à vos chansons Bobby Wratten. Considérez-vous cela comme des clichés trompeurs et que votre musique se situe ailleurs ?
Bobby Wratten : Définitivement romantique dans son sens le plus large, parfois triste mais, je l’espère, jamais Twee, que je considère toujours comme un terme péjoratif. Même si les gens ont essayé de récupérer le terme Twee, c’est un mot que je n’aime toujours pas. Je n’aime pas étiqueter quoi que ce soit, mais pour les besoins de cette question, je dirais que je fais de la musique pop underground, si ce n’est pas une contradiction dans les termes ! En général, les chansons se situent entre la musique pop et la musique expérimentale. Avec un peu de chance, je crée mon propre monde et c’est là que se situe la musique.
Pensez-vous qu’il y a quelque chose d’éminemment anglais dans votre musique ?
Bobby Wratten : C’est une question à laquelle il est difficile de répondre. Au départ, je dirais oui en raison des références culturelles avec lesquelles j’ai grandi et de la musique que j’ai écoutée en grandissant, mais aussi parce que le fait d’être anglais ne peut qu’influer sur les paroles. C’est aussi l’endroit où je vis. Certaines choses seront toujours là, comme le changement des saisons. Si je vivais à Los Angeles, cela ne serait probablement pas aussi important. Mais le monde est tellement plus petit aujourd’hui et l’endroit où vous vivez ne limite pas votre accès à d’autres cultures et à la musique que vous entendez ou à tout autre facteur qui peut influencer la musique. Maintenant, c’est autant une question de goût que de ce à quoi vous avez accès. Il n’y a jamais eu d’influence du Rock And Roll dans ma musique. Je suis de cette génération qui croit encore que le Rock comme un mode de vie existe ! De plus, je chante avec mon propre accent. Pas d’accent du milieu de l’Atlantique.
J’aime l’idée que la musique et le lieu sont fortement liés. Shirley Collins n’est pas seulement une chanteuse anglaise, c’est une chanteuse du Sussex et certains morceaux de On Land de Brian Eno ne pourraient être qu’anglais avec leurs représentations de Lizard Point et Dunwich Beach. Comme je l’ai dit, c’est une question difficile car il n’y a pas de réponse unique.
Dans la chronique que j’ai écrite sur le disque, je dis que quelque part (sans rien de péjoratif), vous faîtes du neuf avec du vieux. Je m’explique, j’ai un peu l’impression que comme un peintre, vous travaillez depuis vos débuts toujours les mêmes obsessions et les mêmes textures musicales. Qu’en pensez-vous ?
Bobby Wratten : Je suppose que tout le monde a un domaine dans lequel il travaille et, à l’intérieur de cet espace, il essaie de trouver autant de variations que possible. La musique représente clairement mes goûts. Les sons, les textures et les atmosphères qui m’attirent. Dans ce domaine, j’essaie toujours de créer autant de mouvement que possible. Il y a peut-être un élément de course à l’immobilité. Je cherche de nouvelles inspirations et j’incorpore de nouveaux sons et de nouvelles techniques de production, mais ils ne sont peut-être reconnaissables que pour moi. Je veux être aussi aventureux que possible sans m’égarer dans des domaines où je ne me sens pas à ma place. Le domaine dans lequel je pense qu’un changement s’est opéré est celui des paroles. Ils sont plus impressionnistes ou ils concernent de nouveaux sujets. Je pense que Lightning in a Twilight Hour est très différent dans ce sens. Mais c’est peut-être un petit domaine dont je suis le seul à avoir conscience.
Toutefois, ne peut-on pas dire que dans votre travail de composition, le changement s’est toujours fait dans le détail. Sur Overwintering par exemple, vous empruntez des pistes nouvelles comme ce psychédélisme plus présent dans les compositions ou l’influence Dub que l’on entend sur Her Own Refrain ?
Bobby Wratten : Je suis tout à fait d’accord avec cela. Chaque disque s’aventure dans de nouveaux domaines et l’idée est de toujours aller de l’avant. Mais, en fin de compte, cela se résume à des détails. L’éventail de la musique que j’écoute aujourd’hui est tellement plus large qu’à mes débuts et j’espère que cela se reflète dans mes disques. L’idée est de dépeindre la chanson d’une manière aussi exempte de cliché que possible. J’essaie toujours d’éviter l’évidence. Cependant, il arrive qu’une chanson réclame d’être enregistrée de manière simple, mais même dans ce cas, il y a de la place pour la maniabilité. Don’t Let The Times Define You est une chanson simple présentée dans un paysage aventureux. Musicalement, rien ne doit absolument être là.
Lightning In A Twilight Hour – Overwintering : mille déclinaisons de la mélancolie
Avec Lightning In A Twilight Hour, vous continuez de travailler avec Beth Arzy mais aussi Anne Mari Davies et Michael Hiscock. Pourquoi donner ce nom-là à ce projet et pas The Field Mice ou encore Trembling Blue Stars ?
Bobby Wratten : Avec Lightning in a Twilight Hour, il n’y a aucune prétention à ce que ce soit un groupe. C’est vraiment mon truc et un parapluie sous lequel tout peut arriver. J’espère que cela deviendra encore plus évident à l’avenir. S’en tenir à un seul nom m’aurait facilité la vie, mais cela aurait été malhonnête. C’est un monde différent de Trembling Blue Stars et une galaxie différente de The Field Mice. Sortir ce disque sous le nom de The Field Mice juste parce qu’il contient Anne Mari et Michael aurait été un énorme compromis. Cela aurait été un acte de trahison total. The Field Mice a pris fin en novembre 1991 et Trembling Blue Stars s’est arrêté en 2010. Il me semble évident que c’est un monde différent. Le passé est le passé.
Vous avez souvent dit en interview avoir besoin de ressentir la création de chaque disque comme si c’était le dernier que vous alliez faire. Pourquoi ? Pour vous mettre dans un état d’urgence, pour cultiver une certaine fraîcheur ?
Bobby Wratten : Pour commencer, je ne suis pas dans une position où je peux être certain que quelqu’un voudra un autre disque. Donc, d’un point de vue réaliste, il se pourrait bien que ce soit le dernier. Mais au-delà de ça, je sens que j’ai besoin d’aller au-delà de moi-même quand je fais un disque. J’y mets absolument tout ce que j’ai. Je ne veux pas qu’il y ait un quelconque élément de désinvolture. Je veux avoir l’impression d’avoir fait le meilleur disque que je puisse faire à ce moment-là et non pas que je garde des choses pour le prochain. C’est l’une des raisons pour lesquelles les écarts entre les disques s’allongent. C’est comme s’il fallait tout recommencer à chaque fois. Cela dit, j’ai eu l’impression d’avoir fait une percée avec ce disque. J’ai utilisé de nouveaux procédés et je me suis mis dans une position où j’ai délibérément créé des chansons d’une nouvelle manière. C’est quelque chose que j’aimerais poursuivre, mais ce sera comme repartir de zéro, avec un horizon plus large. J’espère avoir la chance de mettre cela en pratique. Nous verrons bien.
Y a-t-il dans l’écriture de vos chansons une pure volonté fictionnelle ou au contraire avez-vous besoin d’éléments autobiographiques pour créer ?
Bobby Wratten : Je n’ai absolument pas besoin d’un élément autobiographique pour créer. Dans le passé, il y avait beaucoup d’autobiographie dans les chansons, même si elles n’étaient jamais purement autobiographiques, car entre la vie et l’art, les choses changent, qu’on s’en rende compte ou non. Maintenant, l’accent est mis sur un éventail de sujets beaucoup plus large. J’attends que l’inspiration arrive et elle peut arriver de n’importe où. Il y a beaucoup plus d’imagination que d’autobiographie, même si, bien sûr, votre imagination reflète vos propres préoccupations et sentiments et la façon dont vous voyez le monde. Sur le nouveau disque, il y a probablement deux ou trois chansons qui s’inspirent directement de ma vie. Les autres viennent d’un peu partout et ont trouvé leur inspiration dans un large éventail de sujets.
Si je vous dis que ce qui me paraît constant dans votre travail depuis vos débuts, c’est un rapport à la simplicité, à quelque chose qui relève de l’évidence mais aussi à une certaine forme de transparence un peu frontale, vous reconnaissez-vous dans cette description ?
Bobby Wratten : Je pense que la première musique à laquelle j’ai participé n’était pas seulement simple, elle était naïve. C’est pourquoi elle me met si mal à l’aise aujourd’hui. Ensuite, il y a la simplicité de Her Handwriting, où j’ai simplement fait un disque sur ce que je ressentais, en disant ce que je voulais dire de manière très directe. Avec un peu de chance, j’ai atteint une forme de simplicité qui fonctionne. Je pense que j’en suis au point où je me suis débarrassé de tout ce qui était superflu. Il y a la chanson et ensuite un arrangement qui décore la chanson sans la surcharger. Je veux juste donner aux chansons ce dont elles ont besoin, ce que j’entends plutôt qu’une approche traditionnelle. Je pense que la simplicité et l’expérimentation résument bien la situation. En ce qui concerne les paroles. Je suis à l’aise pour exprimer une idée simplement. Voici ce que je veux dire et je vais le dire clairement. Mais j’espère que cela reste poétique dans ce cadre.
Vous avez décidé d’arrêter les concerts, les photos ne vous représentent jamais en tant que groupe, ce sont les très belles photos de Beth Arzy qui servent d’illustration. Cette absence, comment doit-on l’interpréter ? La musique serait la seule chose qui compte ?
Bobby Wratten : Sans aucun doute, il s’agit de la musique pure et simple. Je n’aime pas qu’on me prenne en photo et Elefant (mon label) le fait très bien. Ils sont heureux de représenter la musique avec des photos d’autres choses. Dans le cas de ce disque, il s’agit d’une série de photos que Beth a prises dans les Shetland. Il y a différents types de musiciens. Il y a ceux dont l’image et la personnalité plus grande que nature font partie du package et je comprends cela, il y a beaucoup d’artistes de cette nature que j’aime. Puis il y a les artistes discrets qui veulent simplement faire de la musique sans le cirque environnant. C’est là que je suis le plus à l’aise. Je n’aime pas attirer l’attention sur moi, je suis très heureux d’être invisible et de laisser la musique parler d’elle-même. Tout ce que je veux dire se trouve dans les sillons du disque.
Que trouvez-vous dans les chansons tristes d’autres musiciens que vous ne trouvez pas dans des musiques plus joyeuses ?
Bobby Wratten : Je pense qu’il est très difficile d’écrire sur le bonheur. Il faut trouver des moyens de décrire le bonheur sans se contenter de faire des déclarations fades. Il y a évidemment de la musique que je trouve édifiante, mais si on parle de chansons, on en vient souvent au contenu des paroles et la tristesse est un filon beaucoup plus riche à exploiter. Mais je ne pense pas que ce soit seulement de la tristesse dont nous parlons, c’est l’idée d’émotions plus compliquées. Les sentiments sont compliqués et il y a toutes sortes de nuances différentes. C’est la communication de ces subtilités qui est difficile.
Un de mes textes préférés a longtemps été Skywriter de Jimmy Webb.
I’m a skywriter
I can’t forget you yet
For whatever that is worth
And sometimes I think I’m never coming back
Skywriter
I can’t forget you yet
For whatever that is worth
And sometimes I think I’m never coming back to earth.
Pour moi, ça touche juste la cible. Il contient tellement de choses et utilise aussi une imagerie originale. Je ne suis pas sûr que le bonheur se prête à une telle poésie.
Western Sky par American Music Club et Mark Eitzel est un autre de mes textes favoris depuis bien longtemps.
So I’ll take you in my two week hands
And I’ll throw you so high
Watch you fall forever in the western sky
And when you land you’ll turn into some kind of prize
Into somebody’s sweet prize
C’est abstrait, beau, déchirant et tellement riche. Je n’écoute pas beaucoup de musique avec des voix maintenant, mais si je dois le faire, je veux quelque chose qui fasse mouche sans avoir à réfléchir. Des paroles que l’on ressent avant de les comprendre. J’adore la musique disco et c’est peut-être une musique qui réussit à communiquer le bonheur avec succès. Mais même le disco peut contenir des éléments de mélancolie. L’idée d’être seul au milieu d’une foule. Je pense à une chanson comme Lonely Disco Dancer de Dee Dee Bridgewater.